Die Grammys

Foto: M. Caulfield/WireImage für VH-1 Channel – New York

Liste

Ob „Tears of a Clown“ oder „Tears in the Club“, hören Sie sich einige der hinterhältig traurigsten Songs von Outkast, TLC, Avicii und anderen an.

Im Jahr 2003 landeten OutKast mit „Hey Ya!“ ihren zweiten Nr.-1-Hit. Der zeitlose Titel hat eine optimistische Energie, die einen dazu bringt, ihn wie ein Polaroidbild zu schütteln – bis einem zufällig der eher unglückliche Text ins Auge fällt.

„Sind wir so verleugnt, wenn wir wissen, dass wir hier nicht glücklich sind?“ André 3000 singt die zweite Strophe. Die folgende Zeile könnte seinen kontrastierenden Charakter auf den Punkt bringen: „Ihr wollt mich nicht hören, ihr wollt nur tanzen.“

Die Fähigkeit, den Zuhörern das Gefühl zu geben (und körperlich darauf zu reagieren), ist Teil der Genialität des Songwritings. Melodien wie „Hey Ya!“ – eine traurige Erzählung, getarnt durch eine ansteckende Melodie – ist ein Trick, den Outkast, REM, Smokey Robinson, Robyn und viele mehr beherrschen.

Wenn Sie schon einmal fröhlich zu einem Beat geboogelt haben, bevor Sie gemerkt haben, dass der Liedtext oben in Wirklichkeit eine große Enttäuschung ist, sind Sie mit Sicherheit nicht allein. BBC und Apple Music nennen solche Titel beide „Sad Bangers“, ein passender Name für das, was im letzten halben Jahrhundert zu einem inoffiziellen Genre geworden ist.

Anlässlich des Mental Health Awareness Month im Mai hat GRAMMY.com eine Liste mit 15 Songs zusammengestellt, die Sie sowohl in Ihre Gefühle versetzen als auch Ihren Körper in Bewegung bringen.

Die fröhliche Musik zu diesem Motown-Klassiker wurde von Stevie Wonder geschrieben, einem 25-fachen GRAMMY-Gewinner, der es versteht, tränenreiche Stücke zu erschaffen, die Ihren Körper zum fröhlichen Tanzen anregen. Das Lied mit der Fagottunterseite hat 128 Schläge pro Minute, ein Tempo, das von Produzenten moderner Tanzmusik immer noch bevorzugt wird. Wenn Smokey also „The Tears of a Clown/When There’s No One Around“ singt, kann man es verzeihen, wenn einem auch ein bisschen die Seele baumelt, während man in Stimmung ist.

Gloria Gaynor hat den Pop-Hit „Never Can Say Goodbye“ der Jackson 5 aus dem Jahr 1971 für die Disco-Ära neu interpretiert. Die schwungvollen Streicharrangements und der trabende Beat trugen dazu bei, die Tanzflächen zu füllen und das ergreifende Lied über das Festhalten an der eigenen Liebe zu erschaffen. Auch andere Coverversionen von Isaac Hayes and the Communards fangen die widersprüchliche Atmosphäre ein.

Das britische Duo Tears For Fears wurde international bekannt, nachdem es seinen ersten tanzbaren Hit mit einem deprimierenden und dramatischen Refrain ausstattete, der auch 40 Jahre nach seiner Veröffentlichung schwer zu erschüttern ist: „Ich finde es irgendwie lustig, ich finde es irgendwie traurig, die Träume, in denen ich“ „Ich sterbe, sind die besten, die ich je hatte.“ Roland Orzabal und Curt Smith veröffentlichten später aufmunterndere Stücke wie „Everybody Wants to Rule The World“ und „Sowing the Seeds of Love“.

Kate Bush hat sich mit „Running Up That Hill“ dreimal in den Charts auf der ganzen Welt herumgewirbelt, beginnend mit der Veröffentlichung im Jahr 1985 und dann als unwahrscheinlicher Abschlusssong der Olympischen Sommerspiele im Jahr 2012.

„Und wenn ich nur könnte, würde ich einen Deal mit Gott machen/Und ich würde ihn dazu bringen, unsere Plätze zu tauschen/Diese Straße hochlaufen/diesen Hügel hinauflaufen/Ohne Probleme“, singt sie im Refrain von die Rennstrecke und sehnt sich danach, sorgenfreier zu sein.

Kürzlich bescherte eine Platzierung im Netflix-Drama „Stranger Things“ im Jahr 2022 der weinerlichen, in Moll-Tonart geführten Tanznummer eine ganz neue Generation von Fans. Der englische Künstler wurde kürzlich in die Rock & Roll Hall of Fame 2023 aufgenommen.

Peter Garrett, Leadsänger von Midnight Oil, kanalisierte in „Beds Are Burning“ die Wut, die er über den frühen Klimawandel und den Mangel an Landrechten der Aborigines im australischen Outback verspürte. Der kraftvolle Tanzsong überschwemmte Ende der 80er Jahre Radiowellen und Tanzflächen auf der ganzen Welt und erreichte Platz 17 der Billboard Hot 100-Charts.

„Wie können wir tanzen, wenn sich die Erde dreht?“ er singt im mitreißenden Refrain. „Wie schlafen wir, während die Betten brennen?“

Garrett hatte eindeutig eine persönliche Verbindung zur sehnsüchtigen Botschaft des Liedes: Später widmete er sein Leben dem Umweltaktivismus als Leiter der Australian Conservation Foundation und wurde gewähltes Mitglied des australischen Repräsentantenhauses.

„Gypsy Woman (She's Homeless)“, ein House-Hit über eine Frau ohne Zuhause, verhalf der New Jersey-Sängerin Crystal Waters trotz eines etwas düsteren Themas zu internationalem Erfolg. Eine anschließende Parodie auf die Sketch-Comedy-Serie „In Living Color“ machte auf den Kontrast zwischen fröhlicher und fröhlicher Instrumentierung und entmutigenden Texten aufmerksam.

„Sie ist genau wie du und ich/Aber sie ist obdachlos, sie ist obdachlos“, klingelt der Refrain. „Wie sie da steht und für Geld singt/La da dee la dee da…“

Diese fröhliche Zusammenarbeit entsteht zwischen der Rockgruppe REM und B-52-Sängerin Kate Pierson. Der klirrende Gitarrenpop weckt den Wunsch, in die Hände zu klatschen und mit den Füßen zu stampfen, aber der Text lässt einen fragen, ob tatsächlich alles so glänzend und fröhlich ist.

Gerüchten zufolge handelt das Lied vom Massaker auf dem Platz des Himmlischen Friedens in China, da auf Propagandaplakaten der Satz „Shiny Happy People“ zu lesen war. Da ist sich Pierson allerdings nicht so sicher.

„Ich kann mir nicht vorstellen, dass REM damals dachte: Oh, wir wollen, dass es in diesem Lied um Propaganda der chinesischen Regierung geht“, sagte sie 2021 in einem Interview mit Vulture. „Es sollte glänzend und fröhlich sein. Es war rundum positiv.“

Dank des mitsingenden Refrains und der funkigen Basslinie war „Waterfalls“ 1994 für TLC ein weltweiter Hit. Die eindringliche Sprungkraft des Liedes mildert eine klare lyrische Warnung, die die Leute von der Grenze zurückzieht: „Don't go chasing wasserfälle/Bitte bleib bei den Flüssen und Seen, an die du gewöhnt bist/Ich weiß, dass du es haben wirst.“ Weg oder gar nichts/Aber ich denke, du bewegst dich zu schnell.

„Wir wollten einen Song mit einer starken Botschaft machen – über ungeschützten Sex, Promiskuität und das Abhängen in der falschen Menge“, teilte Rozonda „Chilli“ Thomas 2018 dem Guardian mit. „Die Botschaften in ‚Waterfalls‘ trafen ein.“ Ich denke, deshalb ist es unser bisher größter Hit.“

André 3000 singt in diesem Hit, der die Billboard Hot 100-Charts anführt, über lieblose Beziehungen zu einem skurrilen, zeitversetzten Dance-Beat. Die Ernsthaftigkeit des Liedes – von dem André 3000 einst erklärte, dass es um „den Stand der Beziehungen in den 2000er Jahren“ geht – ging bei vielen Zuhörern verloren.*

Der traurige Text wurde von Andrés schwungvollem Gesang sowie dem klirrenden Gitarren- und Keyboard-Groove des Liedes überdeckt, dessen Geschwindigkeit sich am Ende aller vier Takte ansteckend verdoppelt. Sogar Outkast selbst konnte nicht umhin, in einem Tweet aus dem Jahr 2021 die Gegenüberstellung des Songs anzuerkennen.

Ein vorletztes Beispiel für einen traurigen Knaller ist „Dancing On My Own“ des schwedischen Popstars Robyn. Das reumütige Lied – ein Top-10-Hit in mehreren Ländern – fordert Sie dazu auf, Ihre Sachen abzuschütteln, während Sie sich gleichzeitig vorstellen, wie Sie Ihrem Ex im Club zusehen. Das Cover von Calum Scott aus dem Jahr 2016 bringt die Traurigkeit, die Robyns Uptempo-Version überdecken kann, wirklich zum Vorschein.

„Sagte, ich bin in der Ecke und sehe zu, wie du sie küsst, oh nein/Und ich bin genau hier, warum kannst du mich nicht sehen?“ Robyn singt im Refrain. „Und ich gebe mein Bestes/ Aber ich bin nicht das Mädchen, das du mit nach Hause nimmst.“

Spaß. (das Trio aus Jack Antonoff, Andrew Dost und Nate Ruess) ist vor allem für die zeitgeistige Pop-Rock-Power-Ballade „We Are Young“ bekannt, in der es um die unerbittlich positive Begeisterung der Jugend in der Stadt geht. Der Titelsong ihres 2012er Albums Some Nights (das „We Are Young“ enthält) ist ein viel tänzerischer, aber auch traurigerer Song.

"Wofür stehe ich?" fragt Ruess, während deine Füße im Takt mitschlurfen. „An den meisten Abenden weiß ich es nicht mehr.“

Avicii arbeitete mit der gefühlvollen Popsängerin Aloe Blacc für diesen weltweiten Chartstürmer zusammen, der als eine der Spitzenhymnen des EDM gilt. Der klatschende Beat verdeckt den traurigen, selbstreflexiven Text des Titels über das Verlorensein.

Der Selbstmordtod des schwedischen DJs/Produzenten im Jahr 2018 verleiht Blaccs leidenschaftlichem Refrain eine noch schwerere Note: „So wake me up when it's all over/When I'm wiser and I'm old/All this time I was find yourself, and I /Ich wusste nicht, dass ich verloren war.

„Never Be Like You“ ist nicht das schnellste Stück in der basslastigen Diskographie des australischen DJs/Produzenten Flume, aber der zarte Track hat dennoch einen unwiderstehlichen Kick. Die kanadische Sängerin Kai fleht ihren Geliebten an, sie nicht zu verlassen („How do I make you wanna bleiben?“), aber ihr schöner Ton schafft es dennoch, das Lied hoffnungsvoll zu halten.

Die offensichtlichste Auswahl dieser gesamten Liste ist „Tears In The Club“, wo FKA Twigs und The Weeknd auf die Tanzfläche gehen, um die Überreste einer schlechten Beziehung abzuschütteln. Der Sänger/Tänzer äußerte sich offen darüber, in einer missbräuchlichen Beziehung zu sein, und das Lied ist ein zurückhaltender Pop, der von verzweifelten Gesängen wie „I might die on the beat, love“ getragen wird.

Fast 30 Jahre nachdem DJ/Produzent Todd Terry mit einem Remix von „Missing“ dazu beigetragen hatte, „Everything But the Girl“ der internationalen Tanzmusik-Community vorzustellen, wandte sich das Duo bei „Nothing Left to Lose“ seiner elektronischen Seite zu. „Nothing Left to Lose“, eine Single aus ihrem ersten Album seit 24 Jahren, Fuse, verfügt über eine schmatzende elektronische Basslinie, die die hilflose Sehnsucht des Songs kontrastiert.

„Ich brauche eine dickere Haut/ Dieser Schmerz dringt immer wieder ein/ Sag mir, was ich tun soll/ Weil ich immer auf dich gehört habe“, singt Tracy Thorne des Paares in der Eröffnungsstrophe. Später stellt sie eine Forderung, die die Konflikte eines typisch traurigen Krachers treffend zusammenfasst: „Küss mich, während die Welt untergeht.“

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Besonderheit

Musik ist ein kreatives Werkzeug der Befreiung, denn queere Gemeinschaften finden in den Liedern unzähliger Künstler einen Sinn – ob offen oder nicht. GRAMMY.com enthüllt die lange Geschichte queerer Hymnen, von einem Kabarett der 1920er Jahre bis an die Spitze der Charts.

Als die junge Judy Garland 1939 „Somewhere Over the Rainbow“ sang und von einem aufregenderen, freudigeren und farbenfroheren Leben anderswo träumte, wussten nur wenige, dass ihre Worte Generationen von queeren Menschen inspirieren würden, die dort einen Schimmer von Freiheit fanden „Die Träume, die man zu träumen wagt, werden wirklich wahr.“

Über Jahrzehnte, wenn nicht sogar länger, dient Musik weiterhin als kreatives Werkzeug der Befreiung, wobei queere Gemeinschaften einen Sinn – ob offen oder nicht – in Liedern finden, die entweder direkt für sie geschrieben oder aus der Arbeit (scheinbar) heterosexueller Künstler übernommen wurden. Oftmals wird solche Musik mit der Zeit, manchmal aber auch sofort, zu einer queeren Hymne. Während der Stolz auf die eigene Identität oft ein zentrales Thema war, thematisierten diese Hymnen auch das gemeinschaftliche Trauma – von der HIV/AIDS-Epidemie bis hin zur bis heute anhaltenden Diskriminierung.

Da sich die Botschaften und Musikstile an die Zeit angepasst haben, ist das Wichtigste an der Entwicklung queerer Hymnen, wie viel offener schwul sie geworden sind. Immer mehr Künstler können ihre Identität unverhohlen zum Ausdruck bringen, auch in Genres, die traditionell zurückhaltend oder minderheitenfeindlich waren. Die Verfolgung der Geschichte der Queer-Hymne bietet die Gelegenheit zu sehen, wie weit die LGBTQ+-Community gekommen ist und wie kreativer Ausdruck genutzt werden kann, um für Rechte zu kämpfen, die immer noch bedroht sind.

Drücken Sie in der Spotify-Playlist unten auf „Play“ oder besuchen Sie Apple Music, Pandora oder Amazon Music für eine begleitende Playlist mit queeren Hymnen.

In „Glitter Up the Dark: How Pop Music Broke the Binary“ erkundet Musikautorin Sasha Geffen die Geschichte queerer Hymnen in Vergangenheit und Gegenwart.

„Ich denke, es ist wichtig, diese Vorfahren in der queeren Erzählung zu würdigen und darauf hinzuweisen, dass sich die Dinge nicht immer vom Schlechteren zum Besseren wenden“, sagt Geffen gegenüber GRAMMY.com. „Gerade jetzt, in unserem aktuellen historischen Moment, sehen wir eine Menge Annäherung und das kann wirklich beängstigend sein, aber es gab schon immer dieses Pulsieren und es gab immer das Überleben.“

Eine globale Musikbewegung

Tatsächlich war „Somewhere Over the Rainbow“ nicht einmal die erste Schwulenhymne. Eine der frühesten ist die deutsche Kabarettnummer „Das lila Lied“ aus dem Jahr 1920, ein klares Produkt der relativen sexuellen Freiheit der Weimarer Republik. Das Lied wurde etwa zu der Zeit geschrieben, als der Sexologe Magnus Hirschfeld Gastgeber der Ersten Internationalen Konferenz für Sexualreform war. Es würdigte die Schwierigkeiten, mit denen queere Menschen konfrontiert waren, und erklärte gleichzeitig: „Und trotzdem sind die meisten von uns stolz darauf, aus einem anderen Holz geschnitzt zu sein!“

In Europa boten Musicals heimliche Gelegenheiten, sich mit queeren Themen auseinanderzusetzen, insbesondere das Werk des englischen Dramatikers Noël Coward, dessen verborgene Sexualität in unerwiderten Liebesliedern wie „Mad About the Boy“ und „If Love Were All“ zum Ausdruck kam. In den Vereinigten Staaten In den USA definierten schwarze Frauen viele dieser frühen queeren Hymnen, insbesondere Ma Rainey und Billie Holiday, mit „Prove It on Me Blues“ bzw. „Easy Living“. Wie Geffen sagt, war ihre Musik „verspielt und schlüpfrig und sie verkaufte sich.“ "

Holiday und Rainey sowie ihr Wunderkind Bessie Smith waren alle bisexuell – eine Identität, die zusammen mit ihrer Rasse und ihrem Geschlecht ihre berufliche Karriere bedrohte. Sie waren nicht nur gesellschaftlicher Ausgrenzung, sondern auch rechtlichen Bedrohungen aufgrund ihrer Sexualität ausgesetzt. Dennoch brachten diese Pioniere ihre Gefühle immer noch offen zum Ausdruck, als Ma Rainey auf „Prove It on Me Blues“ singt: „Ich ging letzte Nacht mit einer Menge meiner Freunde aus“/Es müssen Frauen gewesen sein, denn ich mag es nicht keine Männer/ Trage meine Kleidung wie ein Fan/ Sprich mit den Mädels wie jeder alte Mann.

In den Kriegsjahren und den sozialkonservativen Jahren der 1950er Jahre gab es nicht viele bleibende Schwulenhymnen, da sich weiße, männliche Musiker den rebellischen Rock'n'Roll-Sound schwarzer Musiker aneigneten und ihn berühmt machten. Dies wurde in Liedern wie „Tutti Frutti“ von Little Richard (mit klaren sexuellen Untertönen) und „Hound Dog“ von Big Mamma Thornton deutlich, die Männerkleidung trug und dafür geschätzt wurde, schwarze Queerness zu repräsentieren.

Während der sexuellen Revolution Mitte des 20. Jahrhunderts produzierten schwarze Frauen weiterhin einige der grenzüberschreitendsten Musikstücke. Nina Simone wechselte in ihrer sprudelnden Version von „My Baby Just Cares for Me“ die Geschlechterpräferenz – von Lana Turner zu… Liberace – und Diana Ross lieferte eine sinnliche Interpretation von „Ain't No Mountain High Enough“ und zeigte, wie tief jemand ist bereit, für ihre Geliebte zu gehen.

Dennoch ist es unmöglich, nur ein einziges Lied der Disco-Diva in ein Kompendium queerer Hymnen aufzunehmen, ob offen oder angedeutet. Die Inspiration für „I'm Coming Out“ aus den 1980er Jahren kam tatsächlich aus einer New Yorker Schwulenbar: Der berühmte Songwriter Nile Rodgers ging auf die Toilette und bemerkte eine Gruppe Ross-Imitatoren. Wie Rodgers 2011 gegenüber Billboard sagte: „Ich rannte nach draußen und rief Bernard [Edwards, seinen häufigen Mitarbeiter] an, erzählte ihm davon und sagte: ‚Was wäre, wenn wir Diana Ross‘ wirklich coole Verbindung zu ihrer Fangemeinde in der Schwulengemeinschaft erkennen würden?‘ Also setzten wir uns hin und schrieben: ‚Ich komme raus‘.“

In dieser Zeit des Feminismus der zweiten Welle wurden auch Lieder zur Stärkung der Frau von der Queer-Community adaptiert, wie zum Beispiel „You Don't Own Me“ von Lesley Gore (Gore selbst outete sich 2005 als Lesbe). Einige männliche Darsteller umfassten alles, was sich den sozialen Normen widersetzte, sei es in Bezug auf Identität oder Sexualität (obwohl einige ihrer Darstellungen von Rasse und Geschlecht in Frage gestellt werden können): „Lola“ von den Kinks, „Walk on the Wild Side“ von Lou Reed und „Rebel“. Rebel“ von David Bowie, dessen Glam-Rock in Sachen Geschlechterdarstellung Grenzen sprengte.

Mehr als jedes andere Genre davor lieferte die Einführung der Disco in den 1970er Jahren einen Soundtrack für die LGBTQ+-Community. Tatsächlich könnte man sagen, dass es das erste Genre war, das für und von queeren Leuten geschaffen wurde, Disco, mit hochkarätigen Titeln wie „I Feel Love“ von Donna Summer, „I'm Every Woman“ von Chaka Khan oder sogar „Dancing Queen“ von ABBA ." Aber die wohl kraftvollste queere Hymne war „I Will Survive“ von Gloria Gaynor, eine unverhohlene Hommage an die Überwindung aller Widrigkeiten, die auch heute noch von den Pride-Wagen zu hören ist.

In vielleicht weniger nuancierter, aber ebenso wirkungsvoller Weise spielten die Village People in dieser Zeit sowohl in ihrem Auftreten als auch in ihrer Musik mit schwulen sexuellen Fantasien, insbesondere mit ihren Liedern „Macho Man“ und „YMCA“. Während das Camp auf 11 aufgedreht war, Der Einfluss der Dorfbewohner darauf, queeres Leben in den Mainstream zu bringen, ist nicht zu unterschätzen.

Auch offen queere Künstler begannen sich in den 1980er Jahren und mit dem Aufkommen des Synth-Pop mehr denn je durchzusetzen und fanden Fans in heterosexuellen und queeren Communities, oft auf die Art und Weise, „dass man weiß, wenn man es weiß“, so Geffen. Der Sound britischer Gruppen wie Culture Club („Do You Really Want to Hurt Me“), Soft Cell („Tainted Love“) oder Bronski Beat („Smalltown Boy“) war untrennbar mit Queerness verbunden; Ein schneller Beat und ein thematischer Unterton zogen sich durch viele der größten Popsongs der Ära. Diese Künstler „sprachen über eine Erfahrung, die sehr spezifisch für die queere Community war – diese Idee, herauszufinden, wer man ist, das Zuhause zu verlassen und nicht zu wissen, wo man landen wird, und einfach auf etwas da draußen zu vertrauen, könnte besser sein als das, was man tut.“ „Sie haben“, bemerkt Geffen.

In den 1980er Jahren verbreiteten sich auch queere Hymnen über die englischsprachige Musik hinaus, was bewies, dass der Wunsch, Queerness durch Musik auszudrücken, universell war. Dies zeigte sich insbesondere in „Libertine“ und „Sans contrefaçon“ der kanadisch-französischen Künstlerin Mylène Farmer über die Auseinandersetzung mit Androgynie. Und im spanischsprachigen Raum gab es „¿A quién le importa?“ von Alaska y Dinarama. was übersetzt „Wen interessiert das?“ bedeutet.

Vom Trauma erschütterte Hymnen

Doch diese relative Öffnung hinsichtlich der Akzeptanz von Homosexuellen in der Populärkultur wurde durch die HIV/AIDS-Krise schnell erschüttert, als queere Hymnen eine noch stärkere politische Rolle spielten. Ob „I Want to Break Free“ von Queen oder „Somebody to Love“, „Relax“ von Frankie Goes to Hollywood oder „You Make Me Feel (Mighty Real)“ von Sylvester – diese Hymnen waren unverschämt davon, romantische Gefühle und sexuelles Verlangen auszudrücken. sowie den Kampf gegen Gewalt, Schweigen und Stereotypisierung.

Sylvester, bekannt für seine Falsettstimme, war eine der führenden Stimmen in San Franciscos wachsender queerer Community, bevor er 1988 an AIDS-bedingten Komplikationen verstarb. Sein Lied „Stars“ ist eine von Geffens beliebtesten queeren Hymnen, insbesondere wegen der Art und Weise, wie er beides vermittelte Freude und Härte der queeren Erfahrung.

„Er hatte eine so kraftvolle Stimme und eine starke Kontrolle über die Feinheiten ihres Einsatzes“, fährt Geffen fort. „Ich höre manchmal diese Art von Melancholie, die Welt zu feiern, in der man sich befindet, diese Art Unterwelt in der Welt, in der diese Formen von Beziehungen möglich sind.“

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Auch Künstlerinnen – von denen viele offene Verbündete der Queer-Community waren – thematisierten die Verwüstung der Epidemie. „Waterfalls“ von TLC (eine warnende Geschichte mit einer hoffnungsvollen Note, um „an sich selbst zu glauben“) und „True Colors“ von Cyndi Lauper, ein Fackellied, das den Weg in die dunkelsten Zeiten weist. Allerdings war dieses Verhältnis der scheinbar heterosexuellen Künstler zur queeren Community nicht ohne Fehler. Madonna wurde durch eine Reihe von Hits zu einer queeren Ikone, bevor sie die 1990er Jahre mit „Vogue“ einläutete, einem Titel, der einem Mainstream-Publikum queere Ballsaalkultur näherbrachte. Während Madonna diese Kunstform eindeutig zelebrierte und denen, die sie geschaffen haben, ein gewisses Maß an Anerkennung schenkte, verdiente sie auch Geld mit dem Talent und der Kreativität unterschätzter queerer farbiger Gemeinschaften.

Außerhalb der Mainstream-Musik behaupteten in den 1990er Jahren queere Künstlerinnen ihre Identität, begleitet von der Riot-Grrrl-Bewegung und Lilith Fair. Diese reichten vom nachdenklichen „Closer to Fine“ der Indigo Girls über das sehnsuchtsvolle „Constant Craving“ von kd lang bis hin zu „Rebel Girl“ von Bikini Kill, „The Queen of My World“.

Der Klang eines neuen Jahrtausends

Die Jahrtausendwende läutete den Beginn einer selbstbewussteren Akzeptanz ein, wobei die Hymnen aus manchmal unerwarteten Quellen stammten: Christina Aguileras „Beautiful“, P!nks „Raise Your Glass“, Robyns „Dancing on My Own“ oder Macklemores „Same Love“. .“ Als der politische Kampf für die Gleichstellung der Ehe in den USA schnell an Boden gewann, begannen Popkünstler mit offen pro-LGBTQAI+-Botschaften in ihrer Musik zu reagieren: Lady Gaga startete die 2010er Jahre mit „Born This Way“ mit dem Motto, dass es nichts gibt Es ist ungewöhnlich, queer zu sein.

In jüngerer Zeit haben Hymnen das Bedürfnis verloren, ihre Eigenartigkeit durch versteckte Botschaften oder Anspielungen zu verbergen. Stolze queere Künstler kreieren Musik, die eindeutig für ihre Communities und darüber hinaus ist: Denken Sie an Janelle Monaes Ode an das weibliche Vergnügen „Pynk“, Perfume Genius‘ sengendes „Queen“ oder Hayley Kiyokos „Girls Like Girls“, dessen Titel alles sagt (und dem gefolgt wurde). mit der fröhlicheren Hymne „Für die Mädchen“).

Am bemerkenswertesten ist vielleicht, dass Genres, die LGBTQAI+-Künstler langsamer akzeptiert haben, auch ihren Anteil an Hymnen hatten. Insbesondere Rap hat queere Künstler von Cupcakke („LGBT“) über Frank Ocean („Channel“) und Leikeli47 („Attitude“) bis hin zu allem von Mykki Blanco umfasst. Das trifft auch auf den Country-Bereich zu: Sehen Sie sich „Loving Her“ von Katie Pruitt, „Follow Your Arrow“ von Kacey Musgraves oder Orville Peck und seine Interpretation von „Smalltown Boy“ an. Diese Ehrung der queeren Geschichte und Pioniere definiert viele moderne queere Hymnen. vielleicht am stärksten in Beyoncés Renaissance.

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Während ihre gesamte Diskographie voller Knaller ist, die Eingang in das queere Pantheon gefunden haben, ist ihre neueste Veröffentlichung „Renaissance“ eine Ode an die queere und schwarze Tradition von Disco und House. Tracks wie „COSY“, ein Ausdruck dafür, dass ich mich „wohl in meiner Haut fühle“, fanden in Clubs auf der ganzen Welt schnell großen Anklang. Beyoncé hat queere Künstler wie Big Freedia in den Mittelpunkt gestellt, die Queen of New Orleans Bounce, die 2020 in „Chasing Rainbows“ eine kraftvolle Hymne mit Kesha schrieb (die selbst ein Album Rainbow nannte und nach einer Reihe von Selbstmorden „We R Who We R“ veröffentlichte). schwule Teenager in den USA).

Am wichtigsten ist, dass Lieder über die queere Erfahrung mittlerweile die Karrieren vieler Künstler prägen und ihnen ein beispiellos großes Publikum verschaffen. Dies ist der Fall bei MUNA mit „Silk Chiffon“, King Princess mit „1950“, Troy Sivan mit „Bloom“ oder sogar Sam Smith und Kim Petras mit „Unholy“. Dieser letzte sexy Song bescherte Petras nach Jahren in der Musik beispiellosen Beifall Branche und machte sie zur ersten offen transsexuellen Person, die einen GRAMMY Award gewann.

Am deutlichsten lässt sich dieser Trend am Aufstieg von Little Nas Geffen hebt hervor, wie er Schock nutzt, um Aufmerksamkeit zu erregen und sich gegen die homophoben Hasser zur Wehr zu setzen, wie zum Beispiel, indem er Satan im Musikvideo „MONTERO (Call Me By Your Name)“ einen Lapdance gibt.

„Ich stelle mir Little Nas

Im Gegensatz zu dieser Zunahme offen queerer Hymnen und Darstellungen queerer Menschen in den Medien steht die scharfe politische Realität: In vielen Bundesstaaten nehmen Anti-Trans-Gesetze zu, und Gesetzgeber versuchen, die Rechte von LGBTQ+-Menschen einzuschränken, was viele der Vorwärtsbewegungen bei der queeren Befreiung gefährdet.

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Dieser Moment in der sozialen und politischen Geschichte unterstreicht die Bedeutung einer Hymne, die als Form des Feierns und Zeichens der Loyalität sowie als Salbe gegen Unterdrückung und als Motivation zur Fortsetzung des Kampfes dient.

Natürlich ist diese Liste queerer Hymnen bei weitem nicht vollständig. So unterschiedliche Künstler wie die B-52s, Eurythmics, die Pet Shop Boys, Elton John, Cher, George Michael, RuPaul, Mariah Carey, Janet Jackson, die Smiths, Kylie Minogue, Brandi Carlile, Carley Rae Jepsen, Sufjan Stevens, SOPHIE, Taylor Swift und viele, viele andere haben Musik veröffentlicht, die die queere Community tief berührt hat.

Und wirklich, jedes Lied kann eine queere Hymne sein, wenn es jemanden auf persönlicher Ebene anspricht und ein Gefühl der Verbundenheit und Zugehörigkeit vermittelt. Wie Geffen bemerkt, entsteht die Magie, wenn ein Musikstück einen Moment kollektiven Feierns oder vorübergehenden Glücks erzeugt.

„Es gibt nichts Schöneres als das Gefühl der körperlichen Befreiung, wenn ein Lied einen durchdringt, wenn es gleichzeitig auch Unmengen anderer Leute mit in die Menge nimmt“, sagten sie und betonten die Macht der Angst, ob man dazupasst im Auflösen: „Es öffnet ein Fenster zu dem, was möglich ist, in einer Welt jenseits der, in der wir uns gerade befinden.“

Queere christliche Künstler bewahren den Glauben: Wie LGBTQ+-Musiker Lobpreismusik neu definieren

Foto: Ron Galella/Ron Galella Collection über Getty Images

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Der neueste Dokumentarfilm von A&E/Lifetime, „TLC Forever“, zeigt nie zuvor gesehenes Filmmaterial und unerzählte Geschichten über das ikonische Erbe der Gruppe, von ihren Schwierigkeiten bis zu ihren Triumphen.

Als sich Tionne „T-Boz“ Watkins, Lisa „Left-Eye“ Lopes und Rozanda „Chilli“ Thomas als TLC zusammenschlossen, veränderte sich die Landschaft der Girlgroups für immer.

Während ihres aufregenden Laufs brach TLC Rekorde, setzte neue Stiltrends und beleuchtete wichtige Themen wie HIV/AIDS und das Körperbild. Ihr einzigartiger Sound und ihre Risikobereitschaft trugen dazu bei, ihren Status als eine der meistverkauften Frauengruppen aller Zeiten zu festigen. Und jetzt wird ihr Vermächtnis im Film verewigt.

TLC Forever, ein neuer Dokumentarfilm, der am 3. Juni auf A&E/Lifetime Premiere feiert, taucht in die drastischen Höhen und Tiefen der 30-jährigen Karriere des Trios ein. Neben ihren vielen unglaublichen Erfolgen gab es auch viele Kämpfe, darunter Insolvenzen, Schlagzeilen machende Schlägereien und Tragödien. Wie Watkins bei den GRAMMYs 1996 scherzhaft erklärte: „TLC wird dieses Geschäft in vielerlei Hinsicht in Erinnerung behalten.“

Der fast 120-minütige Film folgt dem legendären Musiktrio von seiner ersten Begegnung bis zu Lopes' frühem Tod im Jahr 2002 und begleitet Watkins und Thomas bei ihren Vorbereitungen für einen Auftritt beim Glastonbury Festival 2022. Für die Fans wird es etwas ganz Besonderes sein, da der Dokumentarfilm sieht, wie Watkins und Thomas sich die seltenen Aufnahmen mit dem langjährigen Manager Bill Diggins in Echtzeit ansehen.

Egal, ob Sie mit der Geschichte von TLC vertraut sind oder mehr erfahren möchten: „TLC Forever“ ist einen Blick wert. Werfen Sie im Folgenden einen Blick auf fünf wichtige Erkenntnisse aus der Dokumentation.

Im Frühjahr 1994 – nur fünf Monate bevor der TLC-Bestseller „CrazySexyCool“ erschien – sinnte Lopes auf Rache an ihrem damaligen Freund, dem ehemaligen Wide Receiver der Atlanta Falcons, Andre Rison. Nachdem sie ihn angeblich beim Schummeln erwischt hatte, zündete Lopes ein Paar seiner Turnschuhe in einer Badewanne in seinem zweistöckigen Herrenhaus an, was sich anschließend auf den Rest des Hauses ausbreitete.

Die damals 23-jährige Rapperin wurde wegen Brandstiftung angeklagt, mit einer fünfjährigen Bewährungsstrafe und einer Geldstrafe von 10.000 US-Dollar belegt und konnte ihren durch den Vorfall entstandenen Ruf als „Verrückte“ nie ganz loswerden. TLC Forever deckt jedoch Details auf, die ihren Handlungen mehr Kontext verleihen.

In der Dokumentation beschreibt Thomas die Beziehung zwischen Lopes und Rison als „giftig“, bevor er hinzufügt, dass „es immer etwas los war“. Monate nachdem sie sich kennengelernt hatten, gerieten Lopes und Rison auf einem Lebensmittelparkplatz in einen heftigen Streit, bei dem Rison sie angeblich angriff und einen Warnschuss abfeuerte, um Umstehende davon abzuhalten, sich einzumischen.

„Sie tat mir so leid, denn als ich das Zimmer betrat, erinnere ich mich nur an ihren Gesichtsausdruck“, sagt Watkins im Film und bezieht sich auf den Hausbrand. „Ihre Nägel waren abgebrochen, sie war zerkratzt, hatte blaue Flecken und blutete, und die ganze Welt schaute sie an und fragte: ‚Was hast du getan?‘ Und alle haben nicht so reagiert, wie sie hätten antworten sollen.

Wie viele Fans wissen, hatte Lopes gegen die Lead-Single „Creep“ von CrazySexyCool protestiert, weil deren Texte Untreue propagierten (insbesondere angesichts der anhaltenden AIDS-Epidemie, die im selben Jahr allein in den USA fast 42.000 Todesopfer forderte). Außerdem verstieß der Chartstürmer gegen das, wofür TLC bekannt war: das Tragen von Kondomen auf weiten Klamotten als Zeichen für sicheren Sex.

Obwohl das Lied tatsächlich von Watkins‘ eigenen Beziehungsproblemen inspiriert war, befürchtete Lopes, dass Rison glauben würde, sie würde ihn betrügen, was möglicherweise zu weiteren angeblichen Misshandlungen in ihrer turbulenten Beziehung führen würde. Deshalb schrieb sie für den Remix einen Vers, der die Zuhörer vor den Folgen des Kriechens warnte: „Creepin‘ kann hysterisches Verhalten im Kopf hervorrufen. Bringen Sie Ihr Leben rechtzeitig in Bedrängnis. Machen Sie Sie zum Opfer eines leidenschaftlichen Verbrechens“, rappt sie .

Zu Beginn von Thomas‘ langjähriger Romanze mit dem LaFace-Produzenten Dallas Austin wurde sie vor dem Debütalbum des Trios, Ooooooohhh... On the TLC Tip, schwanger, was ihre Zukunft mit der Gruppe gefährdete. Ohne große Unterstützung aus Austin und aus Angst, dass der damalige Manager Perri „Pebbles“ Reid davon erfahren würde, ließ Thomas im Alter von 20 Jahren widerstrebend eine Abtreibung vornehmen, was er in der Dokumentation als „schreckliche Erfahrung“ bezeichnete.

„Danach erlebte ich wahrscheinlich eine Art Zusammenbruch. Ich konnte es mir nicht verzeihen“, sagt sie. „Ich fühlte einfach diese enorme Schuld für das, was ich getan hatte, und diese Schuldgefühle, mit denen nicht richtig umgegangen wurde, waren der Grund, warum ich mich noch mehr an Dallas klammerte.“

Im Jahr 1997 bekamen Thomas und Austin einen Sohn namens Tron, der für den Sänger in vielerlei Hinsicht als Abschluss fungierte. „Nachdem ich Tron hatte, hat es die Beziehung, die ich zu Dallas hatte, wirklich ins rechte Licht gerückt. Es war klar, dass das keine funktionierende, gesunde und liebevolle Beziehung war“, gibt sie zu. Ein paar Jahre später gingen sie getrennte Wege, arbeiteten immer noch kreativ zusammen und kümmerten sich um die gemeinsame Erziehung ihres Sohnes, der jetzt 26 Jahre alt ist.

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Obwohl CrazySexyCool weltweit 15 Millionen Exemplare verkaufte, zwei Nr.-1-Hits in den Billboard Hot 100 hervorbrachte und zwei GRAMMYs gewann, meldete TLC 1995 Insolvenz an, bevor sie eine fünfjährige Pause einlegte, die durch Spannungen innerhalb der Gruppe verlängert wurde. In den Monaten vor TLCs drittem Studioprojekt, FanMail – dessen Titel von Lopes geprägt und den Fans gewidmet wurde – brachte Lopes ihre Unzufriedenheit mit dem Projekt zum Ausdruck, nachdem eine Handvoll ihrer Songs von Dallas Austin abgelehnt wurden.

„Ich kann nicht hundertprozentig hinter diesem TLC-Projekt und der Musik stehen, die mich repräsentieren soll“, sagte Lopes 1999 in einem Interview mit Vibe, was Gerüchte über eine Trennung anheizte. „Dies wird mein letztes Interview sein, bis ich frei über die Wahrheit sprechen und mich in meinem Soloprojekt vorstellen kann.“

Etwa zur gleichen Zeit forderte Lopes Watkins und Thomas auf, Soloalben aufzunehmen, und setzte einen Preis von 1,5 Millionen US-Dollar für das Mitglied aus, das die meisten Exemplare verkaufte. Lopes‘ Raps sind nur auf drei der 17 Tracks von FanMail zu hören – und obwohl ein Großteil ihrer Abwesenheit sicherlich auf interne Konflikte zurückzuführen war, bestätigten Watkins und Thomas, dass Lopes‘ kreative Position „einfach nicht mit dem übereinstimmte“, was Austin produzierte. Zum Zeitpunkt von Lopes‘ Tod befand sie sich auf einem 30-tägigen spirituellen Retreat in Honduras, von dem Teile aufgezeichnet und 2007 als posthume Dokumentation „The Last Days of Left Eye“ veröffentlicht wurden.

Im Jahr 2006 kämpfte Watkins privat gegen ein Akustikusneurinom, einen potenziell tödlichen Gehirntumor, der ihre Gesichts-, Hör- und Gleichgewichtsnerven beeinträchtigte. Die damals 36-Jährige unterzog sich einer Operation zur Entfernung des Tumors, ein Risiko, das durch die seit ihrer Kindheit anhaltenden Komplikationen aufgrund der Sichelzellenanämie noch verschärft wurde.

„[Der Arzt] sagte, für den Fall, dass etwas schief geht und ich Ihr Gehör, Ihr Gesicht oder Ihr Gleichgewicht nicht retten kann, geben Sie mir den Befehl, dass Sie sich selbst retten wollen“, sagte sie im Dokument. „In dieser Branche geht es um Ihr Gesicht, Ihre Stimme, Ihr Tanzen – das ist mein ganzer Job. Also haben sie mir das Gleichgewicht genommen, ich habe mein Gesicht größtenteils bewahrt, [und] ich habe dabei nur drei Prozent [meines Gehörs] verloren.“ Zeit."

Watkins fügte hinzu, dass sie sich nach der Operation viele Jahre lang deprimiert und unattraktiv fühlte, bis ihre Mutter ihre Sichtweise änderte. „Ich erinnere mich, wie ich eines Tages in den Spiegel schaute und anfing zu weinen, und meine Mutter sagte ‚Nein‘.“ Sie sagte: „Schau, das ist nur deine Reise zurück zur Normalität. So wirst du nicht bleiben, so wirst du nicht sein. Das ist nur deine Reise zurück zu dem, wo du angefangen hast“, erinnert sie sich . „Ich sagte: ‚Ja, okay, wenn ich das so sehe, dann muss ich das nur überleben und durchstehen, dann kann ich cool bleiben. Und dann beginnt der Kampf, dass ich lebe, ich bin.‘ Ich werde das überleben, ich werde das schlagen.

Mit 53 Jahren ist Watkins immer noch stark. Der Film gibt den Zuschauern jedoch einen tieferen Einblick, wie viel Vorbereitung erforderlich ist, damit sie auftreten kann, ohne ihre Gesundheit zu gefährden. Vor und nach dem Betreten der Bühne muss Watkins ausreichend Flüssigkeit und Sauerstoff erhalten, um die Entzündung auf ein Minimum zu beschränken.

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Watkins und Thomas sprechen über den enormen Druck, dem sie seitens ihres Labels ausgesetzt waren, ohne Lopes voranzukommen, die auf tragische Weise im Alter von 30 Jahren bei einem Autounfall während ihrer Honduras-Reise ums Leben kam. „Nachdem Lisa gestorben war, sagte die Plattenfirma, sie würden ein Greatest-Hits-Album herausbringen, wenn wir [3D] nicht fertigstellen würden, also fühlten wir uns irgendwie gezwungen, wieder ins Studio zu gehen“, sagte Watkins in TLC Forever. „Uns wurde ein Ultimatum gestellt.“ Thomas fügte hinzu: „Wir hatten einen Tunnelblick, lasst es uns einfach zu Ende bringen.“

Obwohl 3D mit Platin ausgezeichnet wurde, wurde es nach TLC-Standards als kommerzieller Misserfolg angesehen. Es verkaufte sich weniger als 700.000 Mal und die Lead-Single „Girl Talk“ erreichte Platz 28 der Hot 100. Nach ihrem ersten Live-Auftritt ohne Lopes beim Z100-Jahrbuch Beim Zootopia-Konzert im Jahr 2003 schien die Musikindustrie sie abgeschrieben zu haben – aber Thomas sagte, sie habe nie das Gefühl gehabt, dass es wirklich vorbei sei. Erst bei ihrem VH1 Super Bowl Blitz-Konzert im Jahr 2014 begannen die Veranstalter, sich zu melden, was schließlich zum größten Auftritt ihrer außergewöhnlichen Karriere führte: dem Auftritt auf der Bühne in Glastonbury im letzten Jahr.

„Die größte Belohnung ist, wenn man den Nummer-1-Song nicht mehr hat und seine Touren ausverkauft sein können“, sagt Thomas am Ende des Films. „Das bedeutet, dass Sie über ein großartiges Werk verfügen, das den Test der Zeit bestehen kann, und die Zeit hat uns gezeigt, dass wir es gut gemacht haben. Wir haben es gut gemacht.“

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Foto: Derek Blanks

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Frisch von der MusiCares-Gala „Personen des Jahres 2023“, bei der er und Berry Gordy geehrt wurden, veröffentlicht Smokey Robinson sein erstes Album mit neuem Material seit 14 Jahren. Bei „Gasms“ geht es um alles, was Ihr Gehirn zum Leuchten bringt.

Living Legends ist eine Serie, die Ikonen der Musik hervorhebt, die auch heute noch stark sind. Diese Woche präsentiert GRAMMY.com ein Interview mit dem GRAMMY-Gewinner und Hauptdarsteller Miracle Smokey Robinson, dessen Beiträge zum amerikanischen Musikkanon – hauptsächlich durch Motown – nicht hoch genug eingeschätzt werden können. Im Jahr 2023 wurde er zusammen mit Motown-Gründer Berry Gordy beim MusiCares Persons Of The Year Event geehrt. Robinsons neues Album „Gasms“ ist ab sofort erhältlich.

Smokey Robinson hört jedem zu. Wenn du im Radio bist, behauptet er, hat er dich gehört. Es spielt keine Rolle, wie alt Sie sind oder welches Genre Sie spielen – da der 83-Jährige immer noch im Ring ist, möchte er weitermachen. „Ich bin kein voreingenommener Musikhörer“, sagt er gegenüber GRAMMY.com. „Ich muss mit ihnen konkurrieren. Ich muss wissen, was sie tun.“

Mitten in der Frage, wen er von der neuen Wache konkret genießt, wird das Gespräch durch die Fahrt seines Vertreters durch einen Tunnel abrupt beendet. Aber die Behauptung des Miracles- und Motown-Stars bestätigt sich – teilweise aufgrund der Stärke seines neuen Albums Gasms, seinem ersten Album mit neuem Originalmaterial seit 2009.

Bei angesagten Highlights wie „I Wanna Know Your Body“, „Roll Around“ und „Beside You“ beweist Gottes Geschenk an Green Eyes – um einen Ausdruck auszuleihen –, dass seine schriftstellerischen, stimmlichen und darstellerischen Fähigkeiten ungebrochen sind.

„Meine Meinung dazu ist, dass man es anziehen und mit der Person zusammen sein kann, mit der man zusammen sein möchte, und sich einfach zurücklehnen und einander genießen kann“, sagte Robinson der AP. „Es geht eher um die Idee der Liebe.“

Es wird viel über Gasms geredet. Das ist natürlich Absicht und Robinson ist damit einverstanden, dass der Albumtitel das Gespräch zusammenfasst. (Auf die Frage nach der zentralen These der Platte während ihrer Konzeption antwortet er mit einem Wort: „Kontroverse.“)

Aber nach Robinsons Behauptung bezieht sich Gasms auf alles, was einem ein gutes Gefühl gibt, und die Musik mit der hohen Anzahl an Threads bedeutet weit mehr als „geiler Mann ist geil“. Es ist eine Freude zu hören, dass der GRAMMY-Gewinner, der für unzählige kulturverändernde Klassiker verantwortlich ist – der schon lange genug dabei ist, um die Beatles zu treffen, als sie in Kellern spielten – immer noch eine Macht ist.

Mit der Gala „MusiCares Person Of The Year 2023“, bei der Robinson und Motown-Gründer Berry Gordy gemeinsam geehrt wurden, im Rückblick setzte sich GRAMMY.com mit dem Mann selbst über seine Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft zusammen. Die Ergebnisse könnten Ihnen ... nun ja, wissen Sie.

Dieses Interview wurde aus Gründen der Klarheit bearbeitet.

Wie hat es sich angefühlt, zusammen mit Ihrem besten Freund Berry Gordy bei der Gala „MusiCares Persons Of The Year 2023“ geehrt zu werden?

Das war eine wunderbare Erfahrung. Sie hatten noch nie zwei Menschen gleichzeitig geehrt, und für mich war es ein außergewöhnlicher Abend, mit meinem besten Freund auf diese Weise geehrt zu werden.

Hatten Sie, als Sie sich vor all den Jahren kennengelernt haben, eine Ahnung, dass Ihre Beziehung so weit in die Zukunft reichen und den Planeten in diesem Ausmaß beeinflussen würde?

Man kann nichts über Menschen und Beziehungen erzählen, Mann. Wir haben gerade eine Beziehung begonnen. Und wir waren von Anfang an gut, und es hat einfach gehalten. Ich konnte damals nicht bei ihm sein – oder er bei mir – und sagen: „Na ja, das wird ewig dauern“, wie es schon der Fall war, weil man es einfach nie weiß. Zum Glück ist das bei uns so, und wir sind immer noch beste Freunde.

Wie hält man eine solche Beziehung über Jahrzehnte hinweg in einem so großen Ausmaß aufrecht?

Wissen Sie, die Leute haben mich das schon oft gefragt. Manchmal sind es sechs Monate und ich rede nicht einmal mit Berry. Aber wenn ich das tue, ist er mein bester Freund und ich sein bester Freund. Es heißt nie: „Lass mich dich noch einmal kennenlernen oder dich kennenlernen“ oder so etwas. Da passiert nichts davon.

Wie Sie bereits sagten, ist der Titel „Gasms“ nicht ausdrücklich sexuell. Es bezieht sich vielmehr auf eine beliebige Anzahl überwältigender Erfahrungen. Was war das letzte große Erlebnis in Ihrem Leben oder Ihrer Karriere, das Ihnen sozusagen einen „Gasm“ bereitet hat?

Ich habe so viele davon gehabt. Wissen Sie, Gasmen sind das, was Sie glücklich macht und Ihnen ein gutes Gefühl gibt. Kürzlich hatte ich einen, als ich „American Idol“ drehte, weil ich schon lange nicht mehr dort gewesen war. Ich war in der zweiten Jury, als Simon Cowell dort war. Ich hatte die Gelegenheit, [die Richter] Lionel [Richie] und Katy [Perry] und Luke [Bryan] zu sehen, und es war ein wundervoller Abend.

Ich war ein Mentor; Ich war Richter. „American Idol“ ist eines der größten staatlichen Talentprogramme der Welt und daher eine tolle Sache für die Kinder. Denn bevor sie überhaupt eine Platte oder etwas in der Art aufgenommen haben, ist es für sie schon beim ersten Vorsingen eine großartige Sache, von Millionen Menschen gesehen zu werden.

Kommen wir zum Erdgeschoss von Gasms, als Sie zum ersten Mal einen Stift in die Hand genommen, ein paar Anrufe getätigt und diese Songs zusammengestellt haben. Was war die zentrale Idee, die Sie musikalisch und kreativ umsetzen wollten?

Kontroverse.

Das war's, oder?

Um die Neugier zu wecken und die Leute dazu zu bringen, sich zu fragen, was es war, bevor sie es überhaupt gehört haben.

Es scheint Ihnen gelungen zu sein.

Es funktionierte. Darüber bin ich sehr froh, Mann.

Wie haben Sie die Begleiter und Produzenten auf Gasms kuratiert?

Die meisten Jungs sind Leute, mit denen ich die ganze Zeit im Studio zusammengearbeitet habe. Ich arbeite seit Jahren mit ihnen zusammen und musste sie daher nicht kennenlernen. Der Hauptdarsteller – mein Arrangeur David Garfield – ist ein bekannter Jazzpianist, der seine eigenen Alben und ähnliches macht. Wir haben uns einfach getroffen und die Arrangements im Studio getroffen.

Ich bin mir sicher, dass du es kaum erwarten konntest, zum Originalmaterial zurückzukehren, so wunderbar die alten Miracles-Songs und dein Weihnachtskram auch sind, und deine Songwriting-Muskeln spielen zu lassen.

Ich schreibe die ganze Zeit, Morgan. Es ist etwas, was ich einfach tue. Es ist keine bewusste Anstrengung, bei der ich mir etwas Zeit zum Schreiben oder Ähnlichem nehme. So etwas passiert nicht. Bei mir passiert es einfach.

Woran arbeitest du in letzter Zeit?

Nun, zur gleichen Zeit, als wir am Gasms-Album arbeiteten, arbeiteten wir an einem auf Spanisch. Ich habe noch zwei Songs, die ich dafür neu aufnehmen muss. Das ist es, was ich musikalisch vorhabe.

Ist es eine Lernkurve, in einer anderen Sprache aufzunehmen, oder sind Ihre Spanischkenntnisse ausgeprägt?

Ich lerne Spanisch wahrscheinlich seit etwa einem Jahr. Meine Haushälterin ist eine Spanierin. Sie kommt aus Guatemala und spricht vier verschiedene Sprachen, also hat sie mir wirklich dabei geholfen.

Ich beherrsche es nicht so gut, dass ich alles verstehe. Ich schaue mir die Seifenopern und Nachrichtensendungen auf Telemundo und ähnliches an und versuche, besser zu werden, aber sie reden so schnell. Ich versuche ab und zu ein Wort zu sagen und versuche dann herauszufinden, was sie mit dem Rest gemeint haben.

Aber es ist eine großartige Sprache und ich genieße sie sehr, deshalb habe ich versucht, einige Lieder auch auf Spanisch zu schreiben.

Deine Stimme auf Gasms ist so makellos. Manchmal ist es, als wäre man keinen Tag gealtert. Wie halten Sie Ihr Instrument – ​​Ihre Stimme – über die Jahre und Jahrzehnte hinweg scharf?

Zunächst einmal weiß ich es zu schätzen, dass du das sagst, Mann. Vielen Dank.

Ihre Stimme ist wie Ihr Instrument, und wenn Sie auf sich selbst achten, haben Sie eine bessere Chance, dass sie lange erhalten bleibt und gut funktioniert. Ich glaube nicht, dass es eine Geheimformel gibt – Liptons Tee mit Zitrone und all das Zeug. So etwas habe ich noch nie gemacht.

Ich versuche einfach, auf mich selbst aufzupassen. Natürlich kann es auch vorkommen, dass Ihr Körper müde wird und heiser wird, weil Sie Ihr Instrument nicht beherrschen. Ich mache keine besonderen Sachen.

Was sind Ihre Gewohnheiten oder was ist Ihre Diät, um Ihr körperliches Gefäß in Form zu halten?

Ich denke, das wichtigste ist Yoga. Ich mache seit etwa 40 Jahren Yoga und mache es fast jeden Tag meines Lebens. Dann habe ich Trainingsprogramme, die ich mache. Ich habe ein halbstündiges Trainingsprogramm und dann ein einstündiges. Zu Hause mache ich den kompletten Monte, weil ich alles kann; Ich habe Gewichte im Keller und so weiter und so fort.

Wenn ich unterwegs bin, mache ich meistens morgens ein 45-Minuten-Trainingsprogramm, das mit Dehnübungen beginnt.

Mir gefällt wirklich, dass Sie bei Gasms nicht das Bedürfnis verspürten, das Rad neu zu erfinden. Die Lieder könnten vor 60 Jahren oder gestern geschrieben worden sein. Was zeichnet die Zeitlosigkeit von Liedern über Liebe, Romantik und Sinnlichkeit aus?

Nun ja, sie haben alle eine Bedeutung; Sie können Ihre eigenen Vorstellungen davon verwenden, was sie bedeuten. Zum Beispiel „gasms“. Das kann alles bedeuten, was Sie wollen. Ich versuche, diese Konnotation in alle zu integrieren. Was auch immer die Person meint oder wer der Zuhörer ist, es kann für sie das sein.

Smokey Robinson tritt 1964 auf. Foto: PoPsie Randolph/Michael Ochs Archives via Getty Images

Apropos zeitlose Liebeslieder: Du spielst eine große Rolle beim Aufstieg der Beatles. Sie haben dich verehrt und dich mit „You Really Got a Hold On Me“ auf With the Beatles in die Köpfe von Millionen von Kindern gebeamt. Und Sie haben sie auch abgedeckt. Fühlt es sich surreal an, auf Ihre Jugend und diese Aufnahmen zurückzublicken und zu sagen, dass ich das geschrieben habe?

Weißt du, darüber denke ich heutzutage nicht mehr nach, Mann, es sei denn, jemand bringt es zur Sprache. Es ist nicht etwas, worauf ich mich konzentriere oder so etwas, aber es ist eine wundervolle Sache.

Es war besonders schön – damals waren sie die Nummer eins der Welt –, einen meiner Songs auszuwählen. Sie waren selbst großartige Songwriter. Daher war es besonders schmeichelhaft, einen meiner Songs für die Aufnahme auszuwählen.

Welche Erinnerungen haben Sie an diese Jungs?

Oh, das waren coole Typen, Mann. Ich hatte sie getroffen, bevor sie zu den Beatles wurden. Wir haben sie in Liverpool getroffen; Sie sangen in einem kleinen Club unten im Keller. Sie waren gute Jungs, und ich kam George besonders nahe, als er noch lebte, wissen Sie? Er war mein engster Freund in dieser Gruppe.

Er hat dich wirklich geliebt. Sonst hätte er „Pure Smokey“ nicht geschrieben. Können Sie weitere Erinnerungen an George bieten?

George war einfach ein toller Kerl, Mann. Er war ein netter Mann. Er war einer dieser Menschen, die man mag, wenn man ihn trifft.

Was erhoffen Sie sich, wenn die Leute Gasms auf der Welt mitnehmen?

Oh, nimm etwas Freude mit. Ich hoffe, dass sie es mit sich selbst, alleine und auch mit anderen genießen. Ich möchte, dass sie das mitnehmen. Wenn mir das gelingt, dann habe ich das Gefühl, dass ich getan habe, was ich mir vorgenommen habe.

Was hat Ihnen in letzter Zeit Blähungen bereitet? Was, das Sie gerade sehen, lesen oder hören, hat Sie inspiriert?

Ich höre jedem zu, Mann.

Ich bin ein Musikliebhaber, also höre ich alle Arten von Musik. Vor allem, wenn ich in meinem Auto sitze und nicht abzusehen ist, in welcher musikalischen Stimmung man mich erwischen wird. Es gibt Wochen, in denen ich nichts anderes als Klassik höre – Chopin und Rachmaninow und so weiter. Manchmal höre ich Hip-Hop, Jazz oder Alternative. Ich liebe einfach Musik, Mann.

Welche neueren Künstler hast du dir angeschaut?

Alle machen Musik, die ich im Radio hören kann. Ich höre sie alle, weil ich auch immer noch Platten mache. Also muss ich mit ihnen konkurrieren. Ich muss wissen, was sie tun. Ich bin kein voreingenommener Musikhörer, obwohl ich denke: OK, das sind junge Leute, also werde ich mir ihre Musik nicht anhören.

Nein, sie stehen derzeit an der Spitze der Musik. Also höre ich jedem zu.

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Foto: Rebecca Sapp

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Nile Rodgers, Jimmy Jam, Smokey Robinson und andere geben in der Ausstellung „The Power of Song: A Songwriters Hall of Fame“ des GRAMMY Museums, die vom 26. April bis 4. September geöffnet ist, tiefe Einblicke in ihre erfolgreichen Kooperationen und ihren kreativen Prozess.

Seit ihrer Gründung im Jahr 1969 feiert die Songwriters Hall of Fame die großen Songwriter und Komponisten unserer Zeit. Im Jahr 2010 fand es im GRAMMY Museum in der Innenstadt von Los Angeles ein physisches Zuhause.

Jetzt erweitert das GRAMMY Museum dieses Erbe mit einer erweiterten Sonderausstellung, die tief in die Geschichte des Songwritings und der aufgenommenen Musik in den Vereinigten Staaten eintaucht – sowie in die Songwriters Hall of Fame und die Rolle ihrer Neuzugänge darin. Egal, ob Sie ein Songwriter oder Musiker sind, der den kreativen Prozess liebt, ein Geschichtsfreak oder einfach nur Musikliebhaber, diese Ausstellung ist genau das Richtige für Sie.

Wenn Sie „The Power Of Song“ betreten, hören Sie die Stimmen legendärer Songwriter-Hall-of-Fame-Kandidaten und GRAMMY-Gewinner – darunter Nile Rodgers, Carole King, Diane Warren, Smokey Robinson und Jimmy Jam –, die über ihren kreativen Prozess und einige der größten sprechen Lieder, die sie geschrieben haben. Nehmen Sie auf der Couch Platz und nehmen Sie all ihre Weisheiten in dem zutiefst informativen und inspirierenden Original-Kurzfilm auf.

Wenn Sie sich nach rechts wenden, finden Sie an der gesamten Wand eine Zeitleiste, die die Ursprünge und Schlüsselpunkte des Songwritings und der aufgenommenen Musik in den USA erklärt. Setzen Sie an der anderen Wand die bereitgestellten Kopfhörer auf, um ein Video der unvergesslichen Hall of Fame zu genießen feierliche Aufführungen. Über eine interaktive Videoschnittstelle in der Nähe des Eingangs können Sie „Song-Highlights“ anhören und über eine andere können Sie die gesamte Datenbank der Songwriters Hall of Fame erkunden.

Die Ausstellung ist gefüllt mit einer Schatzkammer handgeschriebener Songtexte von Taylor Swift, Cyndi Lauper, Tom Petty und vielen anderen sowie ikonischen Artefakten, darunter Daft Punks Helme, ein klassischer Nile Rodgers GRAMMY-Look und Gitarren von Bill Withers und Tom Petty, John Mellencamp und Toby Keith.

Nachfolgend werfen wir einen Blick auf fünf Dinge, die wir aus der Ausstellung „The Power Of Song: A Songwriters Hall Of Fame“ gelernt haben, die vom 26. April bis 4. September im GRAMMY Museum zu sehen sein wird.

Der legendäre Funk-Pionier und Superproduzent Nile Rodgers ist der derzeitige Vorsitzende des SHOF und aktiv auf der Ausstellung vertreten. In einem Fall ist der lindgrüne Dior-Smoking im Disco-Stil zu sehen, den Rodgers bei den GRAMMY Awards 2023 trug, zusammen mit den metallisch glänzenden Helmen des französischen Tanzduos Daft Punk, das mit Rodgers an ihrem mit dem GRAMMY ausgezeichneten Album Random Access Memories aus dem Jahr 2013 zusammengearbeitet hat.

Thomas Bangalter und Guy-Manuel de Homem-Christo von Daft Punk und Rodgers hatten vor dem mit der Schallplatte des Jahres ausgezeichneten Hit „Get Lucky“ im Jahr 2013 eine Freundschaft geschlossen und wollten schon seit Jahren zusammenarbeiten. Als sie sich endlich trafen und Bangalter und de Homem-Christo dem CHIC-Gründer das Demo zu „Get Lucky“ vorspielten, bat er darum, es noch einmal anzuhören, wobei bis auf den Schlagzeug-Track alles stummgeschaltet war, damit er den perfekten Gitarren-Lick dafür kreieren konnte.

Bangalter und de Homem-Christo beschlossen, den gesamten Song im Wesentlichen neu aufzunehmen, damit er zu Rodgers‘ Gitarre passt, die den Track fröhlich vorantreibt – und brachten ihn auf Platz 2 der Billboard Hot 100, dem ersten Top-5-Hit von Daft Punk.

Foto:Rebecca Sapp

Im Ausstellungsfilm erzählt Jimmy Jam mehrere Geschichten über die Arbeit mit Prince und das Lernen von ihm. Er erinnert sich, wie er und Terry Lewis zusahen, wie Prince alles „rote Zahlen“ schrieb und aufnahm, und so richteten sie ihr Studio in Minneapolis ein, um seinem Beispiel zu folgen. Ein Tontechniker sagte ihnen, es sei zu laut, aber das war letztendlich der Sound, wegen dem Künstler wie Janet Jackson und Usher zu ihnen kamen. Es war ein „glücklicher Fehler“, wie Jam es ausdrückte, der ihnen zum Start ihrer legendären Karriere als kraftvolles Produktionsduo verhalf.

Princes dogmatische, unermüdliche Arbeitsmoral wirkte sich auch auf das Power-Paar aus. Bei einer Probe drängte der Purple One Jam immer wieder, mehr zu tun, was dazu führte, dass er zwei Instrumente spielte, sang und die Choreografie hinter seinem Keyboard einschlug. „Er sah, dass ich mehr tun konnte, als ich dachte; er sah mich besser als ich mich selbst“, überlegte er.

In seiner 50-jährigen Karriere schrieb Irving Berlin über 1000 Lieder, von denen viele die amerikanische Popmusik für den größten Teil des 20. Jahrhunderts prägten. Neben „God Bless America“, „White Christmas“, „Puttin‘ on the Ritz“ und „There’s No Business Like Show Business“ (neben vielen anderen Klassikern) schrieb er 17 komplette Broadway-Musikpartituren und steuerte zu sechs Liedern bei weitere Theaterstücke.

Berlin schrieb auch Partituren für frühe Hollywood-Musicals mit Stars wie Ginger Rodgers, Fred Astaire, Marilyn Monroe und Bing Crosby. Er hat die Musik, das Theater, den Film und die amerikanische Kultur nachhaltig und unauslöschlich geprägt.

Erstaunlicherweise war der weithin gefeierte amerikanische Komponist der Tin Pan Alley-Ära Autodidakt und las keine Noten. Als er fünf Jahre alt war, wanderte seine Familie aus dem russischen Zarenreich nach New York aus, und als er erst 13 Jahre alt war, starb sein Vater. Deshalb arbeitete er als Straßenmusikant und arbeitete als singender Kellner, um seiner Familie zu helfen.

1907, im Alter von 19 Jahren, veröffentlichte er sein erstes Lied und schrieb nur vier Jahre später seinen ersten internationalen Hit, „Alexander's Ragtime Band“. Berlin verfügte über eine natürliche Musikalität und spielte Musik nach Gehör in der Tonart Fis mit Hilfe seines bewährten Klaviers, einem transponierenden Klavier, einem seltenen Instrument, das über einen Mechanismus verfügte, der es ihm ermöglichte, in verschiedene Tonarten zu wechseln. In der Ausstellung ist sein „Trick Piano“ zu sehen, wie er es nannte und auf dem viele seiner unvergesslichen Lieder erstmals zum Leben erweckt wurden.

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Smokey Robinson war als Sänger, Songwriter und Produzent ein wichtiger Teil der Hitschmiede von Motown. Im Ausstellungsfilm spricht er über „My Girl“, einen seiner Klassiker, den er 1965 für die Temptations schrieb und produzierte.

„Ich hatte keine Ahnung, dass es das werden würde, was es werden würde“, sagte er.

Er sagt, dass ihn die Leute oft fragen, warum er das unvergessliche Lied nicht mit seiner Gruppe The Miracles aufgenommen hat, anstatt es den Temptations „zu verschenken“, aber er hat seine Entscheidung nie bereut. Stattdessen fühlt er sich geehrt, Musik geschaffen zu haben, die die Zeit überdauert und so vielen Menschen so viel bedeutet.

Robinson scherzte, dass die schroffe Stimme des damaligen Leadsängers der Temptations, David Ruffin, Mädchen dazu verleitete, mit ihm auszugehen. Wirklich, er liebte Ruffins Stimme und dachte, er würde großartig klingen, wenn er ein süßes Liebeslied wie „My Girl“ singen würde. Man kann mit Sicherheit sagen, dass er Recht hatte.

Vor dem Zweiten Weltkrieg war die amerikanische Musik ein einzigartiger Mainstream-Markt, und die New Yorker Songwriter aus der Tin Pan Alley konkurrierten um den nächsten Pop- oder Broadway-Hit. Im Amerika nach dem Zweiten Weltkrieg, insbesondere als die frühe Babyboomer-Generation in den 60er und 70er Jahren zu Teenagern und jungen Erwachsenen wurde, veränderten sich die Geschmäcker und es entstanden neue Stile des Pop und des Pop-Songwritings. Als der Rock die Populärkultur aufrüttelte, ebnete Tin Pan Alley den Weg für eine neue Ära junger Songwriter, von denen viele in nur zwei Gebäuden in Midtown Manhattan arbeiteten, 1619 Broadway (dem Brill Building) und 1650 Broadway.

In diesem äußerst kreativen und kollaborativen Umfeld begannen leistungsstarke Songwriter-Duos zu entstehen, die die Popmusik neu gestalteten, sich gegenseitig herausforderten und ausbalancierten – und dabei eine Menge Hits schufen. Zu den Hit-Duos dieser abwechslungsreichen Pop-Ära gehörten Burt Bacharach und Hal David (Dionne Warricks „That's What Friends Are For“), Carole King und Gerry Goffin (Little Evas „The Loco-Motion“), Barry Mann und Cynthia Weil ( „You've Lost That Lovin' Feelin'“ von den Righteous Brothers und Jeff Barry und Ellie Greenwich (“Be My Baby“ von den Ronettes und „Then He Kissed Me“ von den Crystals, beide in Zusammenarbeit mit Phil Spector). Tatsächlich gibt es viel zu viele Klassiker aus der Feder dieser vier produktiven Songwriter-Duos, um sie hier aufzulisten.

Während es immer noch Songwriter gibt, die einen großen Hit nach dem anderen für Popstars schreiben (Max Martin ist immer noch dabei, ebenso wie sein Schützling Oscar Görres), hat sich die Dynamik in der Branche weiter verändert, da Sänger selbst mehr kreative Kraft entwickeln. Die Popstars von heute – darunter Ariana Grande, Dua Lipa und Taylor Swift – haben Erfolg beim gemeinsamen Schreiben mit ihren eigenen vertrauenswürdigen Teams aus Songwritern und Produzenten. Aber wie diese neue Ausstellung zeigt, spielt es keine Rolle, wer hinter der Feder steckt – die Macht des Liedes ist mächtig.

Lernen Sie Tobias Jesso Jr. kennen, den ersten GRAMMY-Gewinner in der Kategorie „Songwriter des Jahres“.